In quel periodo [dalla fine della Grande Guerra ai primi anni Trenta] nella città francese si respirava un’aria liberale e cosmopolita; l’atmosfera di rinascita creata da teatri caffè gallerie, la contaminazione tra differenti forme d’arte, le produzioni d’avanguardia dei Balletti russi e svedesi fanno di Parigi un vero e proprio laboratorio artistico internazionale che credeva nel concetto di arte per l’arte e che avrebbe influenzato tutte le seguenti produzioni artistiche del Novecento.

Gli artisti, in questo clima di scambio di idee ed influenze, rimettono in gioco le loro ricerche e la produzione artistica raccoglie una molteplicità di stili nella quale convivono, “in sintonia con i sentimenti del dopoguerra oscillanti tra incertezza ed euforia”, la necessità di “conquistare una nuova armonia per allontanare il ricordo del conflitto e la volontà di rompere con il passato per dar vita a un’arte completamente nuova”.

La mostra inizia con opere di due maestri impressionisti ancora attivi e più che mai influenti nel primo Dopoguerra: Renoir [presente tra le immagini con La Fonte] rilegge in chiave moderna l’arte classica e rinascimentale; Monet [Il ponte giapponese a Giverny] abbandona qualsiasi rappresentazione naturalistica e prospettica, arrivando alle soglie dell’astrazione.

Al contempo, sotto la sigla “Scuola di Parigi“, si raduna una nuova generazione di artisti stranieri [Modigliani, Chagall, Van Dongen, Foujita o Soutine] che privilegiano il genere più personalistico del nudo e del ritratto, e nelle quali opere rivive l’atmosfera bohémienne e internazionale di Montparnasse, dove essi hanno stabilito il loro quartier generale [Modigliani, Nudo e Chagall, Il gallo].

I già celebri protagonisti del Cubismo [Picasso, Braque, Legér e Gris] approdano ad uno stile più elegante ed evocano attraverso la rappresentazione di calici, bottiglie, quotidiani e strumenti musicali [Braque, Il tavolino rotondo], il clima brillante e mondano dei caffè e dei salotti.

Picasso [Maternità] insieme a Derain [Arlecchino] e De Chirico [Due figure mitologiche] pongono le basi di un moderno classicismo; Matisse e Bonnard [Nudo su sfondo giallo] recuperano una vena naturalistica, mentre Mondrian focalizza la sua ricerca in ambito astratto, stile poco congeniale alla tradizione francese ma assai diffuso nel resto d’Europa.

Accanto, l’esigenza di rottura tipica delle avanguardie, con il Dadaismo di Max Ernst [Il bacio], Picabia, Duchamp, Arp e Man Ray, e la successiva nascita del movimento surrealista [Magritte, Le sens propre IV e Miró, La regina Luisa di Prussia]. Tuttavia l’avvicinarsi di un nuovo conflitto mondiale dissolve questo clima di fermento e il sogno di libertà tanto spirituale quanto materiale dell’uomo, come appare nei foschi ed inquietanti panorami di Dalí [L'eco del vuoto] e Tanguy.

Un vero e proprio crocevia di stili dunque, che la mostra riunisce grazie a una selezione di opere provenienti da prestigiose collezioni pubbliche e private di ogni parte del mondo.

Ora vi lasciamo alle opere in mostra con queste parole di De Chirico del 1925: «La modernità – questo gran mistero – abita ovunque a Parigi: la si ritrova ad ogni angolo di strada, […] oggi Parigi è la città dell’arte e dell’intelletto per eccellenza». [Le immagini selezionate provengono dal sito ufficiale del Palazzo dei Diamanti].

La fiasca fiorita

E’ proprio questo che vuole dimostrare la mostra “Fiori. Natura e Simbolo dal Seicento a Van Gogh”, in allestimento dal 24 gennaio al 20 giugno, ai musei del San Domenico di Forlì. La mostra racconta infatti la storia della pittura di fiori in una maniera del tutto particolare: attraverso le opere di grandi pittori della storia che solo eccezionalmente hanno dipinto quadri di fiori, viene dimostrato come essi abbiano raggiunto un’intensità e un’originalità estetica superiore a quella dei “fioristi”. Le opere esposte vanno dalla fine del ‘500 alle soglie del ‘900, partendo dal Naturalismo caravaggesco fino ad arrivare a Van Gogh e al Simbolismo, ricoprendo ben 300 anni di storia dell’arte. E attraverso i capolavori di Caravaggio, Rembrandt, Hayez, Delacroix, Manet, Monet, Cezanne e Renoir, Klimt, Van Gogh (solo per citarne alcuni) i visitatori potranno se non risolvere, almeno avvicinarsi al mistero racchiuso nella straordinaria bellezza della “Fiasca fiorita”.